Por mi parte, la quinta jornada del Nocturna 2015 será la última de todas. Y, desgraciadamente, no puedo decir que me vaya con un buen sabor de boca. Evitando las dos sesiones de las 16:30, más que nada por la pinta de infumables que tenían, fui directamente a la proyección de Demons, película dirigida por Lamberto Bava y presentada este año por ser su 30 aniversario. Ninguna de las tres películas vistas en esta jornada se salvan de la quema, aunque he de decir que ninguna de ellas se encuentra entre lo peor de esta edición del Nocturna.

DEMONS

Antes de poder ver un clásico del cine de terror como Demons, Lamberto Bava entró en la sala a recibir el Premio Maestro del Fantástico. Opté ver este clásico -inédito para mí- en vez de la película que proyectaban simultáneamente en la Sala 2, Afterdeath. La verdad es que ninguna de las dos me llamaba especialmente la atención, pero la italiana era presumiblemente más divertida. Y pese a empezar bastante bien, acabé cansándome un poco de la cinta. Dos jóvenes amigas deciden ir al preestreno de una película que desconocen en un cine que también desconocen. Durante la proyección, los espectadores se darán cuenta de que les empiezan a ocurrir las mismas cosas que suceden en la película. Durante los primeros minutos se presenta a los personajes en lo que, erróneamente, podría parecer una crítica o reflejo al comportamiento de algunos espectadores en una sala de cine. El tramo más gracioso es el inicio, y una vez pasado éste empezarán  las continuas transformaciones en demonio de los espectadores, que irán “contagiándose entre sí”. Aunque hay algunos buenos momentos, logrados gracias al uso de la música y a la planificación de Bava, no puedo sentir ningún tipo de admiración por esta película.

CHARLIE´S FARM

Antes de la proyección de Charlie´s Farm pudimos ver el corto Shiner, del británico David Lilley. Shiner es un superhéroe retirado con picazón en los pies. No quiere quedarse en casa sentado y sale a ver qué se cuece. Debo decir que no le he encontrado la gracia a este cortometraje, una pequeña estupidez que ni siquiera consigue resultar simpática.

Antes de ver la película, el productor de la misma declaró lo grandes admiradores que son en el equipo de Charlie´s Farm de slasher clásicos como Viernes 13 o La matanza de Texas. De todas formas, no hubiese hecho falta que lo dijese, pues no creo que los protagonistas se llamen Jason y Michael por casualidad. Éstos -Jason y Michael- deciden ir a visitar una granja en la que se supone tuvieron lugar una serie de acontecimientos horribles, junto a la novia de uno de ellos y a una amiga de ésta. En la granja en cuestión, años atrás, una pareja de granjeros descerebrados que torturaban y asesinaban a los campistas y a sus empleados, fueron asesinados por unos vecinos que se tomaron la justicia por su mano. Los vecinos no encontraron al retardado de su hijo Charlie, por lo que se rumorea que una serie de desapariciones por la zona se deben a su vuelta. Antes de verla me esperaba un remake/homenaje encubierto a las películas que mencionó el productor, pero nada más lejos de la realidad, pues pese a algún detalle concreto, la cinta australiana recuerda más a una versión edulcorada de Wolf Creek. Señor Sun (director de Charlie´s Farm), un par de muertes medianamente curradas y con elevadas dosis de sangre, no justifican 70 minutos -pues sólo los 20 finales son de slasher- de continua sucesión de tópicos en la presentación de sus estúpidos personajes. Un reparto medianamente conocido, entre el que destaca Tara Reid, servirá para que la película llegue a alguna que otra sala perdida por el mundo. No es insufrible, pero sí supone una absoluta decepción.

BUNNY THE KILLER THING

El último cortometraje que he podido ver en esta edición del Nocturna ha sido La hora del baño, de Eduardo Casanova. Ya en Eat my shit, el último corto del director español, se veía su fijación por mostrar lo obsceno y lo vulgar. Utilizar un arte como el cine para, al menos esa es mi sensación, llamar la atención y desahogar sus asquerosas y para nada creativas inquietudes. En este corto una pareja pasa de discutir a follar, y de follar a discutir, mientras su bebé no para de llorar. La premisa funciona únicamente como plataforma para mostrar esos desnudos -y sexo- gratuitos que defendía en la presentación. Y digo yo, si defiende tanto el desnudo gratuito, ¿por qué utiliza dobles -actores porno- para ello? En definitiva, otra muestra más de mal gusto de uno los tantos “directores” que consiguen tener un mínimo de reconocimiento y difusión por su posición de famosillos.

Y para culminar mi cobertura del Nocturna 2015, decidí quedarme a ver una de esas películas que tanto suelen gustar al público en este tipo de festivales: el cine trash. En la finlandesa Bunny the killer thing, un grupo de jóvenes va a una cabaña en la que un híbrido entre humano y conejo con una polla enorme, empezará a violar y asesinarles uno a uno. Es una de esas cintas autoconscientes de su nula calidad, que nos regalan una dosis de situaciones absurdas y surrealistas que, en el peor de los casos, evitarán que el espectador se duerma durante el visionado. Su talón de Aquiles es que depende totalmente de su estrambótico protagonista, cuyas apariciones inundaban la sala de una cantidad ingente de risas. El resto de personajes son simples marionetas utilizadas en busca de unas situaciones cómicas que no siempre funcionan. No obstante, el nivel del día fue tan bajo que quedarme a ver Bunny the killer thing no fue una mala elección en absoluto.

El título de la nueva película de Roy Andersson, la cual pone fin a una trilogía que reflexiona acerca del sentido de la vida, pese a que pueda parecer una soberana estupidez, no podría ser más acertado. Porque Una paloma se posó en una rama a reflexionar sobre la existencia es la definición del absurdo más coherente. Como película, como titulo, como verdadero paralelismo entre aquellos que no encuentran su lugar en el mundo. Es un hecho que es un trabajo que, pese a su indudable calidad, generará prácticamente la misma cantidad de odio que de amor.

La cinta abre con un plano mudo y absurdo, que hace alusión -y no es la única vez- al título de la película, y que servirá como presentación del tono que inundará todo el metraje. Después se nos anuncia en unos títulos a modo de capítulos, la división en tres secuencias que muestran diferentes formas de enfrentarse a la muerte: una pareja de ancianos en las que apreciamos la incomunicación de la pareja, una discusión entre hermanos por cuestión de posibles bienes a heredar, y la reacción social frente a la posibilidad de conseguir los bienes pagados por un recién fallecido. En el transcurso del metraje seguiremos a diversos personajes que comparten la infelicidad, entre los que destacarán Sam y Jonathan, unos vendedores de artículos de broma que serán el eje central del relato.

Las reminiscencias al cine de Aki Kaurismaki son evidentes; los personajes que construye Andersson son casi tan desgraciados como los del finlandés, compartiendo también un estatismo mucho más pronunciado en el cine del sueco. Aunque debo decir que formalmente me recuerda más a Wes Anderson, que a pesar de que el dinamismo de su cine choque completamente con la austeridad de Roy en la puesta en escena, la composición de planos y encuadres me resulta muy similar. Pero no estamos aquí para comparar su estilo con el de otros directores, ya que su cine adquiere una entidad mayor que eso. Además, no olvidemos que aunque no tenga una filmografía extensa, lleva ya 50 años haciendo cine.

Es de admirar la frescura de la mente de Andersson, que es capaz de, gracias a una imaginación desbordante, darle una vida inabarcable a cada plano fijo (secuencia) que crea. El humor seco y absurdo están siempre presentes, aunque parece que al final pierde un poco de presencia en favor de que veamos la dolorosa realidad que hay en esos personajes desesperanzados. La única esperanza que parece tener Roy Andersson en la humanidad recae en los jóvenes, que están dibujados de manera totalmente distinta a cómo lo están todos aquellos que pasen los 40-50 años. Sus fugaces apariciones contrastan con el resto de personajes, gracias a una vitalidad que no encontramos en los demás, que llegan a un punto de alienación en el que ni siquiera saben en qué día viven.

Lo más interesante del filme llega con un sueño de Jonathan, que hará que nos cuestionemos los actos cometidos en el pasado, por nosotros mismos o los demás, sin saber bien el porqué. Nadie dice ni hace nada frente a un horror evidente, que desemboca en verdaderas atrocidades. El último trabajo del sueco es tan rico y complejo que es complicado desgranar todo cuanto nos gustaría. Es cierto que hay algunos pasajes de los que se podría prescindir, en los que se remarca constantemente la repetición, fruto de la monotonía de lo vivido. Una paloma se posó en una rama a reflexionar sobre la existencia nos invita a reflexionar acerca de nuestra propia existencia, mientras vemos a unos personajes que hacen lo mismo sobre la suya propia.

Inabarcable en su primer visionado, la ganadora del León de Oro el año pasado en Venecia supone un aliciente para que veamos el resto de trabajos del sueco. Uno de los primeros must en los estrenos de esta primera mitad de año, y un interesante trabajo que invita a la reflexión con la misma facilidad que hace reír.

Era de esperar que, tras la jornada en la que pudimos ver It Follows, el nivel volviese a bajar y a perderse entre la más que evidente mediocridad. Sin embargo, tras ver la primera película de la tarde, salí con la verdadera esperanza de que se mantuviese. Pero para mi desgracia, no sólo no se mantuvo, sino que tuve que aguantar dos de las peores películas del festival. Una buena primera películas y dos verdaderos fiascos entre lo que pude ver en la cuarta jornada del Nocturna 2015.

LIZA, THE FOX FAIRY

A la proyección le precedería el corto A través del espejo, versión libre de Alicia en el país de las maravillas dirigida por Iván Mena. Más logrado en la faceta visual que en la narrativa, el cortometraje derrocha una inventiva que suple las carencias que pudiera tener. Cabe destacar que está auto-financiado, por lo que es de admirar el resultado logrado.

La primera película que vimos hoy fue Liza, the fox fairy, una comedia húngara a la que le tenía muchas ganas. Tenía la incertidumbre de ver qué salía de la combinación del cine de un país de Europa del este como Hungría, y de un género como la comedia, que no debe ser muy común allí. Liza es una joven enfermera que busca desesperadamente el amor, pero no será hasta el día de su 30 cumpleaños cuando parezca ir a encontrarlo. El fantasma de un antiguo cantante de pop japonés, Tomy Tani, se encargará de ir eliminando uno a uno a todos aquéllos que parezcan poder darle a Liza ese amor que tanto busca. Un ejercicio de estilo propio de un país como Hungría al servicio de una hilarante comedia, repleta de personajes peculiares y perfectamente definidos. Durante los primeros minutos no conectaba con ese humor tan gamberro, incluso a veces absurdo, que propone Károly Ujj Mészáros, pero con el transcurso de la historia uno no puede resistirse a disfrutar de unos personajes y situaciones descacharrantes, a los cuales acompaña de manera brillante una banda sonora muy variada. Una parodia sobre la búsqueda del amor verdadero que tiene todas las papeletas para llevarse el premio del público en esta edición del Nocturna. Una original propuesta que combina a las mil maravillas el fantástico y la comedia.

HELLMOUTH

El anciano Henri, cansado tras una existencia llena de tribulaciones, se alegra de llegar al fin de los días. Cuando está dispuesto a ir al cielo, llega una funcionaria enviada por Dios para comunicarle que deberá ir al purgatorio por no haber conseguido su objetivo vital: ser campeón de descenso en trineo. Así, Henri tratará de convencer a la funcionaria con las buenas acciones que ha llevado a cabo en su vida. Ésta es la premisa de la que parte Dernière formalité, cortometraje dirigido por el belga Stéphane Everaert, un trabajo de lo más gracioso que se encargaría de preceder el verdadero horror: Hellmouth.

Un moribundo enterrador es obligado a trasladarse a vigilar un cementerio durante los siguientes seis meses, pese a su inconformidad. En el viaje conocerá a una hermosa mujer, de la que se enamorará, y tendrá que viajar en el tiempo para salvar su alma. La premisa de Hellmouth sería algo así, aunque poco importaría que contase otra cosa totalmente distinta. John Geddes, su director, muestra una total capacidad para aburrir al espectador. La cuidada estética comiquera en blanco negro no es más que puro envoltorio, no parece tener relevancia su uso y, evidentemente, es incapaz de salvar del naufragio a un producto del que podría haberme ahorrado el visionado. Su ridiculez se evidencia a través de unas subtramas sin pies ni cabeza, que dejan entrever la crisis creativa -como mínimo- del guionista. Sin ninguna duda, la peor película de lo que llevamos de Nocturna. Un verdadero sufrimiento desde sus primeros compases hasta que concluye su interminable final.

DON´T SPEAK

Antes de la proyección de Don´t Speak, cuyo equipo se encontraba en la sala, pudimos ver el corto Manías, dirigido por Santiago Capuz. El trabajo de Capuz habla de Félix, un joven que, como todo el mundo, tiene manías. Pero una de sus manías consiste en comer carne humana. Es, de lejos, el mejor cortometraje que he visto por ahora en esta edición del Nocturna. Pese a ser simplemente una presentación de Félix y sus amigos, consigue arrancar más carcajadas en 13 minutos que la mayoría de películas. Más que posible premio del público al mejor cortometraje.

La última película de la noche fue Don´t Speak, la ópera prima de Amadeu Artasona, producción española con reparto internacional y rodada en inglés. Un grupo de jóvenes celebran una fiesta en un barco. Uno de ellos sufrirá un accidente, por lo que deberán acercarse a un pueblo que tienen cerca a buscar ayuda. Los peculiares habitantes no parecen por la labor de prestar ningún tipo de ayuda, así los jóvenes deberán evitar, mediante el silencio, la muerte a manos de algo o alguien que desconocen. Aunque en su inicio pueda parecer otra cosa, Don´t Speak no es más que el típico slasher tontorrón que se desencadena sin sentido alguno en busca de un premeditado y sorprendente -esa es su intención- giro final. La primera mitad ni horroriza ni aburre, pese al escaso talento de unos intérpretes que se esfuerzan en no caer en el ridículo. Pero una vez sobrepasada la mitad del metraje, la película comienza a hacer aguas por todos los lados. Los personajes deben, según lo que el propio desarrollo del filme indica, mantener silencio para no ser asesinados, pero sin embargo irán muriendo sin orden ni concierto. La manera de responder a los porqués que utiliza el director en más de una ocasión, es tan primitiva e irrisoria que no conseguirá más que eso: provocar las risas del público. Buena manera de tirar por la borda, y nunca mejor dicho, un inicio nada desdeñable.

Después de dos jornadas que dejaron un sabor de boca un tanto agridulce, el tercer día ha supuesto un verdadero salto cualitativo. Pese a empezar un poco mal el día, el nivel ha ido subiendo progresivamente con las otras dos películas que he visto. Las tres películas de hoy han sido de secciones diferentes: Oficial Fantástico, Oficial Dark Visions y Panorama, respectivamente. Y sí, hoy era el día de visionar la más que esperada It Follows.

JUNE

Antes de empezar la proyección, preguntaban por Bruno, el director del cortometraje Be afraid of the dark, que supuestamente debía encontrarse entre el público. Nadie respondió. Una vez visto el corto, entiendo perfectamente que le avergonzase admitir que ese corto era suyo, porque de verdad, es una estupidez de dimensiones estratosféricas No merece la pena hablar del peor corto que he visto por ahora.

La primera película del día sería June, dirigida por L. Gustavo Cooper. En un ritual de una secta un tanto extraña, intentan fusionar a Aer en el cuerpo de un bebé. Tras fallar en el intento, un salto temporal nos sitúa en la vida actual de June, la niña en cuestión, que debido a ser un tanto rara y a tener una especie de ¿poderes?, no consigue estabilidad en ningún hogar. La voz en off es la encargada de ponernos en situación, pero a la vez se encargar de desbaratar la única oportunidad de sorprender que podía tener el filme. Los primeros minutos hacían esperar algo decente, pero hace uso de algunos elementos que hacen que no me la pueda tomar en serio: música horrenda de telefilme en casi cada escena, plano aéreos de bosques y carretera entre secuencias, efectos extraños que dan la sensación de estar rodada a trompicones… En definitiva, una película torpe que además copia situaciones e incluso personajes de otras películas de posesiones demoníacas.

THE MIDNIGHT SWIM

Otra vez veríamos un corto horroroso antes de la proyección del segundo largometraje. El turno era de Ferdinand Knapp, el cortometraje de un hombrecillo que recuerda al Monsieur Oscar de Holy Motors. Incluso algunas situaciones absurdas remiten a la cinta de Léos Carax. Lo único es que aquí no encuentro en el conjunto un mínimo sentido, quedándome con la sensación de haber visto un trabajo de lo más vacuo.

Después tocaría ver The Midnight Swim, de Sarah Adina Smith. Probablemente haya sido la película con más abandonos en la sala del festival, por lo que no debió gustar demasiado. Presupongo lo segundo porque no sólo hubo abandonos, sino un murmullo continuo que hacía ver que la cinta no estaba siendo de su agrado. En lo que a mí respecta, se convirtió momentáneamente en mi favorita del festival. Spirit Lake es un lago extremadamente profundo, en el que ningún buceador ha podido llegar nunca al fondo. La doctora Amelia Brooks desaparece durante una inmersión y sus hijas se reúnen para poner en orden sus asuntos y sumergirse en los misterios del lago. Sin haberme parecido una buena película, he conseguido sumergirme de lleno en una historia que, si bien no atraía todo mi interés, sí estaba contada de una manera lo suficientemente interesante y lograda para atraparme. La nimiedad de la historia y un desarrollo bastante lento se ven compensados por una atmósfera, un halo que envuelve a la cinta, gracias al cual pude, por primera vez en lo que va de Nocturna, respirar un poco de cine.

IT FOLLOWS

Antes de ver la esperadísima It Follows, vimos el cortometraje The Fisherman, dirigido por Alejandro Suárez durante su estancia en Hong-Kong. Es la historia de un pescador en continua lucha con el mundo, rodado con solvencia y con una excelente fotografía. Es probablemente el mejor corto que he visto hasta la fecha (En esta edición del Nocturna, por supuesto).

Y por fin, a las diez de la noche, podríamos disfrutar de It Follows, la película que tanto entusiasmo ha recabado entre crítica y público allá por donde ha pasado. El segundo trabajo de David Robert Mitchell como director, ha sido elogiado y con razón. Sin ningún ápice de duda, es una de las mejores -si no la mejor- películas de terror en lo que va de siglo.  Jay se acuesta una noche con su novio por primera vez. Todo discurre con total normalidad hasta que se desmaya. Al despertar, el joven la explica que lo hizo para ahuyentar unos espíritus que le acosaban, y que de ahora en adelante le acosarán a ella, a no ser que se lo pase ella a otra persona (siempre a través del acto sexual). A partir de este momento viajaremos junto a Jay a través de un mundo pesadillesco, donde parece que alguien la sigue y observa. Los movimientos de cámara son sensacionales, aprovechados en algún que otro plano secuencia ejecutado con desbordante brillantez. También me maravilla la metáfora de la cámara como terror sin forma, como alguno de los espíritus que persigue a la protagonista -sensacional Maika Monroe-. Es cierto que quizá la gente exagera un poco en cuanto al nivel de la película, por lo que tengo la sensación de que sufre un efecto similar al de Mad Max: el escaso nivel de otras películas del género hace que parezcan aún mejores lo que son. Homenajea a otras películas del género de los 70 y los 80 con éxito, sin caer en ningún momento en la mera copia. La música y algún momento me recuerdan a Pesadilla en Elm Street, y la barriada en que se desarrolla a Hallowen de John Carpenter. No obstante, hay dos momentos concretos, entre los que se encuentra el tramo final, que me parece que traicionan las intenciones de la propia película. Y, por supuesto, se convierte de momento -y salvo sorpresa definitivamente- en mi película preferida del Nocturna 2015.

Tras una primera jornada que dejó mucho que desear, pese a visionar una película aceptable como Horns, me enfrentaba a la segunda jornada con bastante miedo. Si bien ninguna de las dos cintas que he podido ver superan a Horns, sí lo hacían respecto a las otras dos de ayer. Durante la jornada de hoy se paseó el célebre Robert Englund, que andaba por el Palafox para recibir el Premio Maestro del Fantástico. También se proyectaba la película que le dio a conocer mundialmente, Pesadilla en Elm Street. Y nada, sin más dilación paso a comentaros lo que me ha parecido lo visionado en la tarde de hoy:

III

DARK WAS THE NIGHT

El segundo cortometraje del día era Bienvenidos al fin del mundo, dirigido por Manu Carbajo y escrito por él mismo junto a Juan de Dios Garduño. De este trabajo no puedo decir más que me parece una pequeña tontería, con algún momento simpático pero con poco que aportar. Además, nos toca sufrir a JPelirrojo y a Nacho Vigalondo, por si no tuviésemos suficiente con su presencia en redes sociales y demás.

Ahora sí, tendríamos la oportunidad de ver otra película a concurso en Oficial Fantástico, Dark was the night, dirigida por Jack Heller. Un antiguo mal en forma de bestia se despierta con la creación de una industria maderera cerca de Maiden Woods. La gente del pueblo empieza a sentirse amenazada, por lo que Paul Shields (Kevin Durand), el sheriff de la ciudad, tendrá que enfrentarse a sus miedos para poder proteger a su pueblo, para lo que contará con la ayuda de Donnie (Lukas Haas), su nuevo -y también atormentado- compañero. Conocedor de sus limitaciones, tanto presupuestarias como de talento, Heller orquesta un relato que sugiere más de lo que muestra, con una nula asunción de riesgos. La película no llega a ser aceptable en ningún aspecto, pero el director demuestra un mínimo de inteligencia consiguiendo que tampoco haya nada que horrorice. Bueno, vale, el final sí horroriza un poco, no os voy a engañar. Siendo más un thriller que una película de terror, Dark Was the Night resulta medianamente entretenida y con una realización lo suficientemente solvente como para no exasperarme.

Hoy ha arrancado la tercera edición del Nocturna Film Festival de Madrid. Los Cines Palafox son una vez más la sede en la que podremos disfrutar de todo clase de cine de terror y fantástico. En esta primera jornada, he tenido la oportunidad de ver una película de la sección Oficial Fantástico, otra de Panorama y la película de inauguración del festival, Horns, del más que conocido director Alexandre Aja, que ha estado presente en el Palafox. Ahora paso a hablaros con más detalle de lo que he podido ver hoy:

INDIGENOUS

Antes de la proyección de la primera película del día, hemos visto el corto 2037, dirigido por Enric Pardo e interpretado por Berto Romero y Alexandra Jiménez. El cortometraje es una comedia de ciencia ficción, en el que un empleado de una compañía encargada de realizar viajes en el tiempo, es llamado por su jefa por haber realizado un viaje que no procedía. Con esa premisa se desarrolla un trabajo menos original de lo que pudiera parecer en un principio. No obstante, tiene un par de puntos muy buenos y está correctamente interpretado.

THE HOUSE ON PINE STREET

El cortometraje presentado antes de la segunda proyección ha sido Flexibility, de Remedios Crespo, el cual interpretan caras conocidas como Cuca Escribano o Marian Aguilera. Crespo plantea una supuesta historia de ciencia-ficción, que según ella tendría lugar pasado mañana. Lo más triste y a la vez interesante, es que de ciencia-ficción tiene poco. Mezclando un poco de comedia y de crítica a la opresión, Remedios Crespo desaprovecha una genial idea que, pese a empezar genial, acaba siendo reiterativa. Sin embargo, su intención se merece el mayor de los aplausos.

Y ahora hablemos de House on Pine Street, la película de la sección Panorama, fuera de competición. La temática de las casas encantadas ocupa gran parte de los filmes de terror que se estrenan cada año. Jennyfer y su marido acaban de mudarse a Kansas, su tierra natal. Tras una experiencia fallida en Chicago, la pareja decide volver a su tierra por el bien de un hijo que está en camino. Una vez instalados, Jennyfer empezará a notar cosas extrañas en casa, quién sabe si fruto del estrés por el embarazo, por el odio que se tienen ella y su madre, o porque ocurren en realidad. Tanto su marido como su madre ignoran sus historias y lo achacan a un embarazo difícil. Si era complicado bajar el nivel respecto a la primera película, The House on Pine Street hace méritos suficientes como para empeorar lo visto en Indigenous. Lo que pretende ser a veces una cinta de terror, otras un drama psicológico, termina por convertirse en una comedia involuntaria. Su incapacidad para generar tensión e incertidumbre, unidas a un ritmo irregular, provocan un terrible sufrimiento en sus excesivos 111 minutos de duración. Y para colmo, la dirección de los hermanos Keeling penaliza aún más una historia con poco futuro.

HORNS

Por suerte, encontraría en la película de inauguración un pequeño respiro. Probablemente Horns no sea una buena película, pero en comparación con lo visto anteriormente da la impresión de ser una maravilla. La adaptación de la novela de Joe Hill, trata sobre un joven (Daniel Radcliffe) acusado de asesinar a su pareja (Juno Temple). No tengo ni idea de cómo es la novela, pero la película es una verdadera mezcolanza de géneros, con tramos muy buenos pero otros que dejan mucho que desear. Al despertarse una mañana, Ig verá que le están saliendo unos cuernos. Apreciará rápidamente uno de los efectos que estos cuernos tienen: que las personas con las que se encuentra le dicen todo lo que piensan. Lo que en principio parecía un hándicap, acabará ayudando a Ig en la búsqueda del asesino de Merrin, su novia. Horns es un romance sobrenatural con toques de humor negro, pero quizá el género que más trascendencia tenga en la película sea la intriga. Una dirección y un trabajo de actores notables, son los puntos fuertes de esta más que entretenida adaptación. Es cierto que la mayoría de toques cómicos no terminar de funcionar; también que el uso de la música es bastante deficiente, y eso que entre los temas elegidos -no originales- hay nivel. Pero haciendo balanza acaban imponiéndose el buen hacer de Aja, lo exótico de la historia, y la genial interpretación de un Daniel Radcliffe que retoma su buena relación con las serpientes.

Un campesino de Abjasia (Ilyas Salman) y su joven nieta (Mariam Buturishvili) se instalan en un pequeño islote formado en el río Enguri, frontera natural entre Georgia y la región de Abjasia, siempre en conflicto por su independencia. Con las crecidas de primavera, algunos sedimentos desembocan en el mar, pero otros acaban formando islas naturales en pleno río. Así, las tierras fértiles de estas islas suponen una oportunidad para aquellos campesinos que busquen un lugar en el que asentarse.

Si alguien me preguntase de qué va Corn Island, seguramente le diría que del curso natural de una plantación de maíz, y de la propia isla en la que se lleva a cabo. La (co)producción georgiana de George Ovashvili, preseleccionada al Óscar en la categoría de mejor película de habla no inglesa, guarda muchas cosas en común con Mandarinas, finalista al mismo premio en representación de Estonia. Ambas tienen como telón de fondo el conflicto entre abjasios y georgianos, desapareciendo en ocasiones ese telón. Mientras la cinta de Zaza Urushadze se ocupa de tratar el conflicto entre seres humanos en tiempos de guerra, dentro y fuera de ésta, la obra de George Ovashvili profundiza en el conflicto del ser humano con la naturaleza. Una relación de inferioridad en la que al ser humano sólo le queda aguardar.

Pero lo más importante en el cine, más allá de la perfección técnica y la creación de geniales historias, es lo que le transmite a uno. Corn Island tiene fuerza y posibilidades para golpear al espectador y desencadenar sus sentimientos, pero a excepción de sus desoladores minutos finales, no empatizo totalmente ni con los personajes ni con la situación. Por esta razón no termina por parecerme la excelente película que muchos claman, pero sí una buena y más que interesante cinta, digna de aplauso y de muchos de esos pequeños pero nada desdeñables premios con los que se ha alzado en diversos festivales.

Una obra que guarda en su fondo mucho más de lo que aparenta en su superficie. Aunque prácticamente desprovista de diálogos, no se hace pesada en ningún momento, gracias al espectacular trabajo de los protagonistas, que dejan miradas que dicen más que la gran mayoría de diálogos que podamos ver hoy en día. Y además de sus innumerables virtudes, tenemos también el peligro constante de la guerra: se escuchan disparos con frecuencia e incluso vemos físicamente combatientes de ambos bandos, que merodean alrededor de la isla en busca de un soldado herido.

En 1982 se estrenaba Poltergeist, una película dirigida por Tobe Hooper (La matanza de Texas) y en la que Steven Spielberg participó como guionista (y por lo que he oído, puede que su labor no quedase reducida a eso). Pese a no haberla visto, es innegable que hoy en día se ha erigido como un clásico del cine de terror en general, y del cine paranormal en particular. Gil Kenan (Monster House, 2006) es el encargado de traernos el remake de Poltergeist, que si bien no puedo decir qué tal es como remake, sí puedo afirmar que, al menos, no es otra bochornosa cinta de terror.

La familia Bowen se muda a un barrio modesto tras perder el padre (Sam Rockwell) su trabajo. Con modesto me refiero a uno en el que las casas sólo tienen 3 plantas, aunque imagino que tendrá más que ver con el tener una central eléctrica al lado, o con que estén edificadas encima de un antiguo cementerio. En cualquier caso, mientras el patriarca intenta buscar trabajo, su mujer y sus tres hijos tendrán que adaptarse, no sin dificultades, a su nuevo hogar. Griffin, el hijo mediano, será el primero en notar los sucesos paranormales que ocurren en esa casa, pero los padres no le creerán hasta que Maddy, la hija pequeña, desaparezca.

El primer tercio del metraje sigue paso a paso el patrón de la gran mayoría de cintas de terror. Tras una presentación y un uso del terror efectista (a base de previsibles sustos) que auguran lo peor, Kenan, consciente de que la película puede palidecer cuando sea comparada, inevitablemente, con trabajos recientes como Expediente Warren, cambia totalmente la dirección hacia la que parecía que la cinta iba encaminada. Pasada la primera media hora, el remake de Poltergeist se va consolidando, poco a poco, como un verdadero entretenimiento. El momento en que los Bowen, poco sorprendidos (actúan como si fuese algo normal) por la desaparición de su hija, contactan con unos investigadores de sucesos paranormales, supone el giro definitivo de la película, que se permite incluso dejar unos cuantos momentos de un humor más que decente.

Esta Poltergeist aprovecha el momento en el cual nos encontramos, ya que las nuevas tecnologías son explotadas al máximo, sacando provecho de los televisores de plasma, los teléfonos móviles, y hasta de un dron con videocámara. Es más que probable que los amantes del género y de la película original puedan sentirse decepcionados con este remake, pero para aquellos que no sintamos nada especial por el cine de terror, seguro que supone una experiencia que, aunque no aguante demasiado tiempo en nuestra memoria, puede ser divertida.

Por último, hay que destacar a un reparto que mejora exponencialmente a los que estamos acostumbrados en las películas del género. Todo el elenco cumple, pero hay que destacar al siempre acertado Sam Rockwell, que resuelve el papel del padre de familia con efectividad. Aunque es cierto que, visto el tono que adquiere la película, podría haberse explotado totalmente su faceta cómica. El que sí adquiere una importancia cómica en el filme es Jared Harris, que encarna a Carrigan Burke, el experto en fenómenos paranormales.

Seguramente Poltergeist no sea una buena película, ni siquiera un remake necesario, pero al menos no es ningún despropósito. Seguro que es menos terrorífica que la original, que a fin de cuentas debería ser el objetivo de la película, pero también estoy seguro de que ésta es mucho más divertida. Aun así, gracias a algunos momentos logrados y a sus efectos de sonido, Poltergeist podrá mantener su esencia y asustar al espectador.

François Ozon me parece uno de los directores más interesantes del panorama actual. Todo lo que he visto suyo, me haya gustado más o menos, me ha parecido interesante. Desde sus primeras películas, el francés ha ido desarrollado su potencial en la creación de personajes mentalmente inestables, con las consiguientes relaciones enfermizas entre estos. En sus últimos trabajos le ha ido dando una mayor importancia al acabado estético, pero siempre al servicio de la historia. En Una nueva amiga no reconozco a Ozon. No porque la película sea diferente en su forma a otros de sus trabajos, que en ese sentido es de lo más Ozoniana, sino porque la profundidad de los personajes y sus relaciones desaparece, al menos en comparación con lo que nos tiene acostumbrados. La sutileza en la introspección de sus personajes da paso a la más obvia superficialidad.

Laura y Claire son mejores amigas desde los siete años. Cuando Laura cae enferma y su muerte se antoja próxima, le hace prometer a Claire que cuidará de su marido y su bebé. Cuando Claire se decide a cumplir su promesa, se encontrará con que David, el marido de Laura, tiene como extraña afición vestirse de mujer. A partir de aquí, se iniciará una extraña relación entre Claire y David (o Virginia).

La película abre con una brillante secuencia en la que se nos presenta la relación de las dos chicas, desde que se conocen hasta la muerte de Laura. Una vez más, podemos disfrutar de la maestría en el uso de las elipsis del director francés, así como en su tremenda capacidad de síntesis. Tras un inicio prometedor, tanto por la secuencia mencionada como por el abanico de posibilidades que tenía Ozon para dejarnos otra gran película, Una nueva amiga no termina por encontrar un tono determinado ni por fluir en su desarrollo. Se plantean temas como la identidad y orientación sexual, la pérdida y el reemplazo, el engaño…. Pero el tratamiento de ellos no es ni mucho menos el esperado. La sutileza y la profundidad devienen en torpeza y superficialidad.

Una nueva amiga pretende desencadenar las emociones del espectador, pero su excesiva extravagancia y su indeciso tono dificultan conmover, bordeando en un par de ocasiones el ridículo. Sin ser ni mucho menos una mala película, se le pueden achacar muchas cosas a un gran autor como es Ozon. Ha hecho una película a la altura del cine en general, pero no a la de su propio cine. Me apena que no mantenga el nivel de sus últimos trabajos, porque en sus primeros minutos se abría un campo de posibles muy rico.

El gran trabajo de Romain Duris y Anaïs Demoustier consigue que el ridículo y la caricatura no se apoderen de la cinta. La banda sonora de Phillip Rombi sirve para, una vez más, dinamizar la historia y mantener atrapado al espectador. Pero lo más destacable en esta ocasión es la excelente fotografía de Pascal Marti. Lo malo es que esta vez no acompañan al poderío narrativo al que estamos habituados en las películas del parisino, sino que destacan en detrimento de un buen guion. Siendo de las peores de su filmografía, Una nueva amiga no aburre en ningún momento y tiene algunas de las virtudes que caracterizan a este gran director.

Anne Gueguen es una profesora de historia que lleva 20 años ejerciendo la profesión, de ese pequeño grupo de docentes que se preocupan de los problemas de los alumnos como si éstos fuesen sus propios hijos. Este año le toca, una vez más, un grupo complicado, en el que es difícil encontrar un solo alumno que no sea conflictivo. Anne les propondrá a sus alumnos participar en un concurso estatal, en el que deberán realizar un trabajo sobre los niños y adolescentes en los campos de concentración. Pese a que en primera instancia los alumnos se sientan incapaces y sin ganas de realizarlo, la perseverancia de la profesora ayudará a motivarles y sacar adelante el trabajo. Una vez más, el holocausto como eje central de una película.

Pese a que en principio podamos pensar que la cinta de Marie-Castille Mention-Schaar va a ser una historia de superación y de veraz demostración de cómo funciona la enseñanza en un país como Francia, con un sistema educativo no muy alejado del nuestro, pasada la primera media hora nos daremos cuenta de que no va a ser así. Los alumnos, que podrían haber sido clave en el desarrollo de la película, acaban por ser simples espectadores en este panfleto, que es en lo que desgraciadamente acaba convirtiéndose la cinta. Ni ellos ni sus relaciones están bien dibujados, a pesar del choque de culturas existente. Los dos pequeños acercamientos al conflicto religioso islámico existente en Francia carecen de sutileza: un personaje totalmente prescindible que de un día para otro se convierte al Islam, y una secuencia inicial bastante potente pero que no funciona como parte del filme.

La profesora de historia utiliza fórmulas ya vistas, tanto en el tratamiento de una clase que mejora gracias a la profesora amable, como en la denuncia de las acciones llevadas a cabo contra los judíos en la Segunda Guerra Mundial. Cuando vemos un producto que expone algo que hemos visto en multitud de ocasiones, lo mínimo es que éste sea diferente en su forma. Así, La profesora de historia no aporta nada ni temática ni cinematográficamente. De hecho, es necesario destacar la pobreza en la dirección de la francesa, manipulando las emociones en lugar de hacerlas florecer, a través de un uso bastante deficiente de la música y una excesiva cantidad de primeros planos, además de los muchos y (muy) torpes fundidos a negro. Como parte positiva, podremos disfrutar de algunas piezas del genial Ludovico Einaudi.

Una película más para poner a los chavales en los institutos. Una menos para sumar en lo que a aportación cinematográfica se refiere. Tan bienintencionada como olvidable.

La mayor limitación de Rec a nivel internacional se encontraba en su idioma, por lo que Rafa Martínez decide rodar la mayor parte de Sweet Home en inglés. El punto negativo de esta decisión es que los intérpretes hablan un idioma u otro según les viene en gana. Es inexplicable que Bruno Sevilla haga de inglés en la película si es español, ya que no tiene ningún tipo de relevancia argumental. Al final, nos encontramos a unos cuantos españoles alternando diálogos en inglés con otros en castellano por puro capricho del director o de los productores.

Alicia, una joven que trabaja para el ayuntamiento como asesora, le prepara una velada romántica a su novio en un edificio semiabandonado del cual tiene las llaves. Tras darle la sorpresa, descubrirán que el único habitante del bloque ha sido asesinado por unos matones enviados por la inmobiliaria. A partir de ahí, comenzará el juego del gato y el ratón al que más tarde se unirá “Liquidator”, una especie de fumigador que lleva consigo todo tipo de armas letales. Meter un tema tan serio como los desahucios de una manera tan poco realista es casi insultante. Que una inmobiliaria contrate asesinos a sueldo para matar a los residentes que se niegan a abandonar sus viviendas me parece demasiado exagerado, máxime cuando luego el tema queda en el aire y sólo sirve a modo introductorio de la trama.

Atendiendo a lo puramente cinematográfico, Sweet Home no es más que otra home invasion que intenta ser seria pero que acaba desprovista de toda seriedad en pos de unos últimos minutos que se acercan al slasher. La dirección de Martínez no es mala en absoluto, pero busca siempre una grandilocuencia visual que le da a la cinta un aspecto de lo más artificial. De menos a más, la ópera prima del catalán no consigue encontrar el tono adecuado ni dejar claras sus intenciones. En ningún momento consigo estar en tensión, todo lo que pasa me parece forzado e irreal. Los diálogos son más absurdos aún de lo que nos tienen acostumbrados este tipo de películas.

Si tenía alguna esperanza con esta cinta de terror, era que fuese entretenida y que Íngrid García Jonsson nos dejase una interpretación a la altura de lo que hizo en Hermosa Juventud. Lo primero no lo consigue, ni siquiera ayudada por una duración que no sobrepasa los 80 minutos. Lo segundo, tampoco, puesto que la actriz nacida en Suecia parece estar interpretando dos papeles a la vez: el de cuando habla en castellano y el de cuando lo hace en inglés. Entre eso y que pega unos gritos tan innecesarios como insoportables -para seguir la tradición de este tipo de película-, la joven promesa del cine español no ha seguido con buen pie en su camino hacia el estrellato.

Desde el año 2004 con El diario de Noa (Nick Cassavetes), la cita anual con alguna adaptación cinematográfica de las novelas románticas de Nicholas Sparks es ineludible. Este 2015 hemos tenido el privilegio o la desgracia de que se estrenen con sólo una semana de diferencia dos adaptaciones: Lo mejor de mí y El viaje más largo. La segunda, dirigida por George Tillman Jr., nos muestra la a priori imposible historia de amor entre dos jóvenes.

Los protagonistas de la película y el romance son Luke (Scott Eastwood), un joven campeón de rodeo que lleva un año sin competir por culpa de una lesión, y Sophia (Britt Robertson), una brillante estudiante cuyo sueño es trabajar en una galería de arte en Nueva York. Tras conocerse, empezará una relación de amor imposible, ya que Sophia debe irse en dos meses a Nueva York a realizar unas prácticas en una galería de prestigio. Los dos se han criado de maneras totalmente opuestas y tienen sueños y proyectos de futuro que no se asemejan en absoluto. Pero ya sabemos que el amor traspasa fronteras y cualquier tipo de barrera, y más en este tipo de novelas tan acostumbradas a buscar la lágrima fácil. Luke y Sophia le salvan la vida a un anciano que había sufrido un accidente de tráfico, Ira Levinson (Alan Alda), el cual de joven vivió una historia de amor que se nos presentará paralelamente a la historia principal. Sophia irá diariamente al hospital a ver a Ira y a leerle cartas que éste le enviaba a Ruth, su esposa fallecida.

Los hechos vividos por la pareja de los jóvenes Ira y Ruth Levinson, interpretados por Jack Huston y Oana Chaplin respectivamente, supondrán un aliciente para que Sophia y Luke dejen a un lado todos los obstáculos que se interpongan en su relación. Mientras ella termina por dejar a un lado su pasión en determinados momentos, él jamás desiste en su intención de ser el número uno. En las relaciones siempre hay una parte que hace más por la pareja que la otra, en este caso Sophia.

Nadie puede negar que en El viaje más largo están presentes todos los clichés y tópicos de los blockbuster románticos, pero la buena química existente entre sus protagonistas y un ritmo que no decae jamás, consiguen mantener el interés en todo momento. Las historias terminan por estorbarse la una a la otra en determinadas ocasiones. Cuando la historia ambientada en los años 40 nos interesa, la película vuelve al presente y viceversa. La historia del pasado es fundamental en el desarrollo de la historia y en el mensaje de ésta, pero me da la sensación de que tiene un excesivo tiempo en pantalla. El metraje sobrepasa las dos horas de duración, cuando se podía haber llegado al mismo punto con media hora menos.

La interpretación de los protagonistas es probablemente lo que más me ha gustado. Scott Eastwood y Britt Robertson desprenden sinceridad en todo momento, complementándose mucho mejor de lo esperado. Sería un error utilizar el término de “caras bonitas”, pues demuestran ser más que eso. Huston y Chaplin están muy bien, el problema es que no consigo conectar con su historia de amor en tiempos de guerra.

Pese a seguir el mismo patrón que otras películas inspiradas en novelas de Sparks, El viaje más largo me parece más interesante, menos manipuladora y mejor interpretada que la gran mayoría de dramas románticos de este corte. No llega a ser una buena película, pero tiene el estimable mérito de no molestar, que es un logro teniendo en cuenta lo esperado en un principio. No es una película que recomendaría, pero he de decir que hay cosas mucho peores en cartelera.